Bisher beste Alben des Jahres 2023: Siehe Liste

Es ist Juni. Bereits. Das Jahr entgleitet dir. Aber nicht von uns! Wir, die Stereogum-Mitarbeiter, haben wieder einmal unseren jährlichen Überblick über die besten Alben der ersten Jahreshälfte zusammengestellt. Wir sind auf dem Laufenden, also müssen Sie es nicht sein.

Alle Listen sind subjektiv, auch solche wie diese, die sich objektiv richtig anfühlen. Wir haben offensichtlich nicht alles gehört, was seit Januar veröffentlicht wurde, und unsere Auswahl repräsentiert eine gewisse kollektive Sichtweise, die nicht das gesamte Spektrum der aufgenommenen Musik abdeckt. Du verstehst es. Dennoch verbürgen wir uns dafür, dass von allen Platten, die wir konsumiert haben und deren Veröffentlichungsdatum vor dem 30. Juni liegt, diese 50 den Rest übertreffen.

Wenn Sie zu der Art von Person gehören, die viel Zeit damit verbringt, auf dieser Website herumzuklicken, enthält die folgende Liste wahrscheinlich einige Ihrer eigenen Lieblingsalben aus dem ersten und zweiten Quartal 2023; Es enthält wahrscheinlich auch einige Platten, von denen Sie noch nicht wissen, dass Sie sie lieben, aber auch einige, die Sie absolut nicht ausstehen können. Das ist cool. So soll das funktionieren.

Okay, genug der Einleitung. Feiern wir gemeinsam die anhaltende Vitalität der Musik. Lasst uns streiten. Lasst uns etwas Neues finden, von dem wir besessen sein können. Lasst uns den Musikfandom und all den chaotischen, leidenschaftlichen Diskurs, der damit einhergeht, genießen. Schauen Sie sich unten unsere Auswahl an und teilen Sie Ihre eigene Liste in den Kommentaren. – Chris DeVille

Poison Ruïns Version von Punkrock ist brutal, dreckig und Lo-Fi, und sie spielen sie mit der konzeptionellen Grandiosität des Heavy Metal. Auf dem zweiten Album „Härvest“ wendet Mac Kennedy sein orkisches Bellen auf Geschichten über das Mittelalter und fantastische Welten an und verwandelt das dunkle Zeitalter in Allegorien für unser eigenes. Die dabei entstehende Musik schlägt mit gewaltiger Kraft ein und hinterlässt bei allem, was sie berührt, einen hässlichen Dreck, wie das Maskottchen Snaggletooth von Motörhead, das das stumpfe Ende einer Sense schwingt. – Chris DeVille

Regionaler Rap wird niemals sterben. Selbst wenn er keinen Song namens „Texas“ mit einem Slide-Gitarren-Sample und einem Video voller Cowboyhüte hätte, könnte man Dallas‘ BigXThaPlug aus einer Meile Entfernung immer noch als ein Produkt des texanischen Untergrunds bezeichnen. Es ist alles da: der dröhnende und maßgebende Ton, die verspielten Pointen aus dem Krimileben, die Vorliebe für klare und lineare Beats, die auf benommenen Samples und 808-Donner basieren. Mit Amar erweist sich der Big Stepper als eindringliche, charismatische Figur, die es versteht, einen sofort unauslöschlichen Song zu schreiben. Er macht Texas stolz. –Tom Breihan

„Es gibt Teile von mir, die ich noch nicht einmal kenne“, verkündet Yves Tumor im Eröffnungstrack ihrer neuesten LP, die immer wieder neue Dimensionen eines der führenden Gestaltwandler der Musik entfaltet. „Praise A Lord Who Chews…“ setzt Sean Lee Bowies Entwicklung vom experimentellen Elektronikproduzenten zum dystopischen Glam-Rocker fort und behält Teile davon auf dem Weg zu einer Art kunstgeschädigter Popstar-Figur – vielleicht eine Hommage an bestimmte Vorfahren, aber auf jeden Fall keine Parodie. Der Tl;dr-Titel „Hot Between Worlds“ bringt es wirklich auf den Punkt. – Chris DeVille

Cruisin‘ vertritt den Standpunkt, dass experimenteller elektronischer Pop berauschend und intellektuell und gleichzeitig verspielt bis zur Albernheit sein kann. Bernices neustes Album schafft eine Art unheimliche Valley-New-Age-Ästhetik – oder vielleicht ist es eine Dekonstruktion des statuarischen Synthpops, der von Leuten wie Chairlift und Annie Lennox praktiziert wird. Die Musik der Band aus Toronto kann manchmal herausfordernd schräg sein, aber sie kehrt immer wieder zu Momenten von tief empfundener Schönheit wie dem exquisiten „No Effort To Exist“ zurück. – Chris DeVille

Ich habe etwas gesehen, das so klingt, als wäre es in einem leeren Lagerhaus zerschlagen worden. Jedes Geräusch prallt von den Wänden ab, wird überlebensgroß: dröhnende Trommeln, das Prasseln des Regens, die berauschenden Beschwörungen von Valentine Caulfield, schlammig und undeutlich und unverständlich (vor allem, wenn man kein Französisch spricht). Die Tracks steigen und fallen unerwartet, und inmitten der verdrehten und pulsierenden, zerstückelten Klänge entsteht eine Umgebung – eine Umgebung voller Klirren und Lärm und einer teuflischen Kühle. Ich schätze, das ist nur Mandy, Indiana. –James Rettig

Wir können Boldy James nicht als selbstverständlich betrachten. Seit Jahren produziert der raue, maßgebliche Rapper aus Detroit in einem unmöglichen Tempo ledrige Krimi-Platten. Im Januar wurde Boldy jedoch nach einem schweren Autounfall ins Krankenhaus eingeliefert; er fängt gerade erst an, sich zu erholen. Wenige Tage nach dem Absturz veröffentlichte Boldy „Indiana Jones“, eine üppige und psychedelische Platte, die vollständig von Blended Babies-Mitglied RichGains produziert wurde. Das Album ist ein ganz anderer Look für Boldy – ein warmer, melodischer Ausflug, der auf eine weit offene Zukunft schließen lässt. –Tom Breihan

Etwa ein Jahr lang dachte ich, dass 100 Gecs ihr Fenster verpasst hätten. Als 10.000 Gecs immer weiter zurückgedrängt wurden, schien sich die Hyperpop-Landschaft, die das Duo auf die Karte gesetzt hatte, weiterzuentwickeln und an ihnen vorbeizuwandern. Wie könnten sie überhaupt konkurrieren? Aber nein, als nach vielen Verzögerungen 10.000 Gecs eintrafen, war es genau das, was man brauchte. Unendlich energisch, herrlich skurril, einfach nur verrückt – es hat bewiesen, dass es niemanden gibt, der es genau so kann wie Gecs, egal wie viele Künstler ähnliche Sounds anbieten. –James Rettig

Nicole Dollanganger klingt wie ein glamouröser Geist. Der kanadische Musiker verbrachte Jahre damit, die Veröffentlichung von „Married In Mount Airy“ anzukündigen, bevor es Anfang dieses Jahres plötzlich erschien, und seine dunkle, hinreißende Trägheit ist gleichermaßen bedrohlich und romantisch. Dollanganger hat das Album mit Matthew Tomasi, einem Mitarbeiter von Ethel Cain, aufgenommen, und ihre Lieder strahlen glückselige Gelassenheit aus, während sie gleichzeitig ein gewalttätiges, selbstzerstörerisches Leben führen. Die Platte ist gleichermaßen tröstlich und beunruhigend, und es gibt nichts Vergleichbares. –Tom Breihan

Mit „This Is Why“ kehrte Paramore triumphierend zurück. Auf über 10 eng gewundenen Tracks setzen sich Hayley Williams, Taylor York und Zac Farro mit einer sich schnell verändernden Welt auseinander, die ganz anders aussieht als die, in der sie vor fast zwei Jahrzehnten lebten, als sie anfingen. Paramore verleiht dem New-Wave-Ton, den sie auf „After Laughter“ perfektioniert haben, eine Dance-Punk-Note und bietet eine Meisterklasse in Sachen Evolution, sowohl persönlich als auch beruflich. –Rachel Brodsky

Liv.e (ausgesprochen „Liv“, es lohnt sich zu wiederholen) ist sowohl ein Rückschritt als auch ein Futurist. Im Geiste scheint „Girl In The Half Pearl“ direkt von Erykah Badu und der Neo-Soul-Ära abzustammen, aber der Opener „Gardetto“ ist der Anfang. – mit seinen Wähltönen, dem hektischen Drum’n’Bass-Beat und dem Gesang mit Hyperpop-Anklängen – macht sofort klar, dass Olivia Williams ihre eigene Künstlerin ist. Von da an werden die Dinge nur noch seltsamer, wilder und leidenschaftlicher, wenn Liv.e R&B mit einer einzigartigen, nachdrücklichen Note in IDM überträgt. – Chris DeVille

Eine der hervorstechendsten Eigenschaften von Margo Price ist ihr Trotz und ihre Beharrlichkeit. „Strays“ ist Price‘ bislang eigensinnigstes Projekt und lässt sich nicht in Genres oder „schöne“ Themen einordnen. Als vollendete Geschichtenerzählerin thematisiert Price das Abtreibungsrecht in „Lydia“, weibliches sexuelles Vergnügen in „Light Me Up“ und ihre eigene Reise zur psychischen Gesundheit in „Change Of Heart“. Strays mögen die Bandbreite von Country, Folk, Americana und klassischem Rock abdecken, aber Price ist im Herzen ein Punk. –Rachel Brodsky

Aufgrund des Erscheinungsdatums von „Higher Lonely Power“ am Neujahrstag haben viele Leute Higher Lonely Power verpasst. Aber wenn Sie Interesse an herzhaftem, hymnischen Indie-Rock über die tiefsten Turbulenzen der menschlichen Seele haben, sollten Sie sich das niedergeschlagene Werk von Fireworks nicht entgehen lassen. Während sie mit ihrer Ernüchterung über den Verfall des amerikanischen Christentums kämpften, verbrachten die ehemaligen Pop-Punks ein Jahrzehnt damit, ihren Sound zu reifen, bis sie eine großartige Statement-LP herausbrachten, die im Alternative-Rock-Radio den Durchbruch schaffen würde, wenn sie die Chance dazu hätte. – Chris DeVille

I've Got Me vermittelt ein echtes Gespür für Geschichte. Die New Yorker Songwriterin Joanna Sternberg wuchs in Manhattan Plaza auf, einer Enklave, die im Laufe der Jahre Künstlern unterschiedlichster Couleur als Heimat diente, und kehrte dorthin zurück, um ihr zweites Album zu schreiben, das sie schließlich mit Matt Sweeney auf der anderen Flussseite aufnahm Brooklyn. Sternbergs Lieder erinnern an die vielen verrauchten Lounges und beunruhigenden Volksmusikzentren, die im Laufe der langen Geschichte der Stadt auf und ab gegangen sind, roh und zeitlos. –James Rettig

Sie hätten sich trennen können. Als stattdessen der Abgang von Sänger Isaac Wood ein Vakuum im Zentrum ihres Popkultur-affinen Konservatoriumsrocks erzeugte, schrieben die verbleibenden sechs Mitglieder von Black Country, New Road eine völlig neue Setlist, verbrachten Monate damit, sie unterwegs zu verfeinern, und wurden zu einem aus ihrem triumphalen Auftritt in ihrer Heimatstadt ein Live-Album, das zugleich ihre nächste richtige LP ist. Obwohl die Sänger und Songwriter rotieren, haben die neun brandneuen Tracks auf „Live At Bush Hall“ eine besondere Persönlichkeit, eine dramatische und dynamische Community-Theater-Blog-Rock-Atmosphäre, die sowohl episch als auch charmant tagebuchhaft wirkt. Schauen Sie sich an, was sie zusammen gemacht haben! – Chris DeVille

ICECOLDBISHOP tauchten aus der Hitze von South Central, Los Angeles, mit einem Album auf, das so klingt, als wäre Kendrick Lamar vor einem Jahrzehnt zu A$AP Mob gekommen. Generational Curse verleiht der Musik der Westküstenfahrer eine gruselige Note: Bishops entfesselte Verse verändern ihre Form und brechen in wilde, exzentrische Höhen aus, und der dämonische G-Funk seiner Produzenten spielt sich wie eine torkelnde Low-End-Symphonie ab, die zu all dem düsteren Material passt, mit dem er zu rechnen hat . Doch wie zum Beispiel Three 6 Mafia ist er so farbenfroh kreativ (und einfach nur lustig), dass selbst dieser Marsch durch die Hölle wie Partymusik klingt. – Chris DeVille

Nachdem Anthony Gonzalez jahrelang bewusst auf alles verzichtet hat, was die Hörer an das 2010er-Jahre prägende „Midnight City“ erinnern könnte, bringt er die Hörer auf dem neunten Studioalbum von M83 zurück in die Arena. Komplettiert mit rauschenden Rhythmen, kaskadierenden Tasten und Flutwellen-Synthesizern ist Fantasy alles, was Sie von einer M83-Platte erwarten: eine filmische, weltbildende Klangwand, die ihre wilden Exzesse mehr als rechtfertigt. –Rachel Brodsky

Philly's Jesus Piece war schon immer eine der physischsten Bands der Hardcore-Szene. Auf ihrer zweiten LP ringen sie mit der Idee, wie sie so strafend und unerbittlich schwer bleiben können wie eh und je, während sie Musik über erwachsene Dinge machen. Können Sie Ihrem Kind ein Liebeslied schreiben, das auch als ignorante Mosh-Hymne funktioniert? Ja, wie sich herausstellt, können Sie das. Die Riffs auf …So Unknown sind höllisch krank und das Gefühl dahinter ist echt. –Tom Breihan

Es kommt selten vor, dass eine Hardcore-Gruppe wirklich ihr Bestes gibt, aber genau das tun die kalifornischen Initiate auf ihrer zweiten LP. Der Sound von Initiate ist scharf und direkt und Bandleader Crystal Pak hat einen wirklich furchterregenden Schrei. Auf „Cerebral Circus“ hingegen verfügt die Band über eine brillante Produktion, Arena-große Hooklines und gelegentlich sogar eine Akustikgitarre. Es ist ein kurzer, energiegeladener Ausbruch aufrichtiger Mosh-Musik, aber die Momente großer Katharsis stechen hervor. –Tom Breihan

Auch wenn es aus anderen Epochen stammt, etwa dem rauen Indie-Rock der 90er und dem feierlichen britischen Folk der 60er, ist „Dead Meat“ im Wesentlichen die beste Jangle-Pop-Platte der 80er, die es je gab. Das Debüt der Tubs ist so treibend und eingängig, dass man es fast als flotter bezeichnen würde, wenn Owen Williams nicht zu jedem strahlenden Gitarren-Arpeggio so düster-morbide, bissig-pfiffige Geschichten brüllen würde. Stellen Sie sich vor, Bob Mould an der Spitze der Smiths oder sogar Eddie Vedder, der sich mit Felt zusammenschließt, und Sie befinden sich im vertrauten, unverwechselbaren Steuerhaus dieser Band. – Chris DeVille

Indigo de Souza bleibt authentisch und roh. Der Singer-Songwriter aus Asheville spielt verletzliche, beunruhigende Texte mit lebendiger Unmittelbarkeit; Sie stellt in Sammelalben unzählige Versionen von Indie-Rock und Pop zu Musik zusammen, die sich genauso persönlich anfühlt wie die Worte. „All Of This Will End“ hört sich an, als würde man alles abwarten lassen und die Stränge seines Lebens durcheinanderbringen, aber es ist zu kunstvoll zusammengestellt, um ein zufälliger Spritzer zu sein. An der Schnittstelle zwischen tiefen Gedanken und großen Gefühlen fand de Souza etwas wie Magie. – Chris DeVille

Die in Arizona aufgewachsene und in Berlin ansässige House-Produzentin Avalon Emerson ist seit Jahren eine große Sache in der Tanzwelt, doch als sie ihre DJ-Kicks-Compilation 2020 mit einem Cover von Magnetic Fields beendete, schlug sie einen Richtungswechsel vor. & The Charm ist der Höhepunkt dieser Veränderung – ein vollständiges Album voller balearischem Indie-Pop mit sternenklaren Augen, das den chemischen Ladungsrausch großer Tanzmusik auf breiter Leinwand in die kleineren, hausgemachteren Klänge überträgt, die sie eindeutig liebt. Die Kombination fühlt sich sowohl intim als auch riesig an. –Tom Breihan

Es sollte das „normale“ Album von Andy Shauf werden, aber während Kanadas schrulliger Barde weiter überlegte und überarbeitete, entstand ein weiteres konzeptionelles Erzählstück. Alle LPs von Shauf wirken wie Independent-Kino, aber „Norm“ kommt einem schrägen Arthouse-Film, den er je gemacht hat, vielleicht am nächsten: eine gruselige, mehrdeutige metaphysische Stalker-Geschichte, die zu einer besonders benommenen Version des üppigen Soft-Rocks passt, der so gut zu seinem passt unverkennbares Miauen. Debütiert das nächste in Sundance. – Chris DeVille

Karin Dreijer wird vielleicht älter, aber sie werden nicht selbstgefällig. Radical Romantics, ihr drittes Album als Fever Ray, ist ihr bisher sanftestes und sinnlichstes Album, behält aber immer noch Dreijers stachelige Kanten bei. Es gibt Anstößige, die als Drohungen geäußert werden (das schaurig intime „Shiver“), es gibt knorrige persönliche Politik (der Racheknaller „Even It Out“), und da ist Dreijer, der hinter jeder Ecke steht und jede Zeile mit dieser Unterschrift vorträgt teuflischer Glanz. –James Rettig

Es gibt dieses Jahr nur wenige Popsongs, die hypnotisierender sind als „SO HARD TO TELL“, in dem die Musikerin Debby Friday aus Toronto durch ihre Stadt wandert und nicht in der Lage ist, zwischen Schatten und Licht zu unterscheiden. Ihr Debütalbum „GOOD LUCK“ ist für den Club gedacht, einen Raum, in dem diese Unterschiede in Transzendenz münden, und sie bietet genug pulsierende Jams und klebrige Synthesizer-Feelings, um uns Lust auf mehr zu machen. –James Rettig

Manchmal möchte man einfach, dass jemand einem den Kopf abreißt und damit Hacky Sack spielt. Das ist es, was die Hardcore-Freaks Gel aus New Jersey tun. Gels erstes Album ist nur im weitesten Sinne ein Album. Es dauert ganze 16 Minuten und zwei dieser Minuten sind dem Voicemail-Sketch „Calling Card“ gewidmet. Aber wenn Gel mit Höchstgeschwindigkeit sprintet, stopfen sie in ihren adrenalingeladenen Wutausbrüchen den ganzen Zorn, die Frustration und die schwindelerregende, aufgeregte Hingabe einer LP rein. –Tom Breihan

Als Gia Margaret zum ersten Mal ein Instrumentalalbum machte, war das eine praktische Notwendigkeit; sie hatte ihre Stimme verloren. Beim zweiten Mal hielt sie den Mund, einfach weil die Inspiration weiter durch ihre Finger floss. Dank Margarets veralteter Klavierschülertechnik und Yoni Wolfs einzigartiger Mischkunst hat „Romantic Piano“ einen ganz eigenen Klangdialekt, aber die Gefühle, die es zum Vorschein bringt, sind universell. Drücken Sie „Play“ bei „Cicadas“ und versuchen Sie, sich nicht in eine äußerst wehmütige Pfütze zu versetzen. – Chris DeVille

Santa Cruz's Drain gelten als die lustige Partyband des Hardcore: die Crew, die gutmütigen Tumult auslöst und die Leute mit Boogie-Boards und Schläuchen zum Bühnentauchen schickt. Auf ihrer zweiten LP kann man etwas von dieser guten Laune-Energie spüren, und von Zeit zu Zeit wechselt Drain etwas ab – ein Rap-Experiment, ein Descendents-Cover, das an Foo Fighters erinnert. Aber Drain sind in der Lage, Chaos in Live-Shows zu bringen, weil sie hart spielen, und sie spielen hart, weil sie es ernst meinen. Die Riffs knallen, die Grooves hüpfen und Frontmann Sammy Ciaramitaro spuckt Gesang aus, der mit einem feuchten, fühlbaren Plätschern landet. –Tom Breihan

Als Singer-Songwriter im Zentrum der Sidekicks verbrachte Steve Ciolek ein paar Jahrzehnte damit, sein Talent für flotten Gitarrenpop zu verfeinern. Auf dem ersten Album seines neuen Projekts präsentiert Ciolek eine entspannte und im Fass gereifte Version dieses charakteristischen Sounds, während er die frische Zufriedenheit und die neuen Ängste des zweiten Lebensviertels zum Ausdruck bringt. Mit Elementen aus klassischem Power-Pop und Peak-Aughts-Indie-Rock fühlt sich „Infinite Spring“ lebendig und lebendig an, und Ciolek kann Songs immer noch zu einem mitreißenden, heulenden Höhepunkt bringen, wenn ihm danach ist. – Chris DeVille

Lana Del Rey hat mit „A&W“ richtig durchgedreht, aber „Did You Know That There’s A Tunnel Under Ocean Blvd“ ist auch ihr beständigstes Album seit Jahren. Es ist ein berauschender Kopfrausch, der sich durch ihre eigene Familiengeschichte ausbreitet, während sie mit Eindringlichkeit und Tiefe ihren Platz in diesem Erbe findet. Es fühlt sich im besten Sinne luxuriös und melodramatisch an. –James Rettig

Als Leiter des Regional Justice Center war Ian Shelton für jede Menge schnelle, brutale und kopfzerreißende Musik verantwortlich. Mit „Militarie Gun“ geht er genau in die entgegengesetzte Richtung und schreibt große, freundliche, aufgeregte Golden-Retriever-Hooks, die an Alt-Rock und Britpop der 90er erinnern. Aber auch wenn diese Refrains in die Höhe schießen, knurrt Nelson immer noch mit Autorität, und er hat das beste Gorilla-Grunzen im Spiel. Auf dem ersten offiziellen Album von Militarie Gun sind die Hooks größer, aber die Intensität bleibt bestehen. Gut. Eine großartige Melodie sollte in Ihnen den Wunsch wecken, ein Loch in die Wand zu treten. –Tom Breihan

Die harten Teile auf A New Tomorrow, dem Debütalbum der LA-Hardcore-Band Zulu, sind so heftig. Bei höchster Intensität klingen Zulu wie explodierende Welten. Aber was A New Tomorrow auszeichnet, ist all das Zeug, das nicht schwer ist. Über eine kurze halbstündige Laufzeit spielt Zulu mit Rap, Jazz, Funk, gesprochenem Wort und Samples von Curtis Mayfield und Nina Simone. Alles zusammen ergibt eine kraftvolle Aussage über Blackness, Gemeinschaft und Widerstand, und sie steht niemals still. –Tom Breihan

Die Formel klingt recht einfach: Die Brüder Tom und Ed Russell kombinieren fachmännisch ausgewählte, akut manipulierte Gesangssamples mit flotten Breakbeats und luftigen Synthesizern. Dennoch liegt eine Art Alchemie in der Art und Weise, wie „Good Lies“ zusammenhängt. Der Titelsong fängt eine Brise ein und gleitet der Unendlichkeit entgegen. „Walk Thru Water“ orientiert sich an Noah „40“ Shebibs abendlichem Hip-Hop. „Sugarushhh“ knüpft an ein Band aus Gold in einer Ambient-Klanglandschaft an. Mit Overmono fühlt sich alles mühelos an, aber wenn transzendenter elektronischer Dance-Pop einfach wäre, würden es mehr Leute so machen. – Chris DeVille

Mit acht Alben sind die Screaming Females aus New Brunswick mittlerweile Branchenveteranen, aber im Herzen bleiben sie DIY-Kellermusiker – und oft auch in der Praxis. Mit etwas Synthesizer und Power-Pop im Mix ist Desire Pathway der Sound einer langjährigen Band, die genau das tut, was sie am besten kann: erdbebenbebende Riffs; straffes, treibendes Trommeln; und Marissa Paternosters unübertroffener Stimmachtel. Screamales sind für immer. –Rachel Brodsky

Wie ein düstererer, industrietauglicher Dismemberment Plan oder ein avantgardistisches LCD-Soundsystem drehen Squid den Dance-Rock auf den Kopf, bis man nicht mehr wirklich dazu tanzen kann. Der künstlerische, explosive O Monolith wird Ihren Körper jedoch immer noch in seltsame Verrenkungen versetzen. Der unbeholfene Gesang von Ollie Judge passt perfekt zu Musik, die jederzeit in jede Richtung gehen kann, von nachdenklichen, langsamen Drifts über ausflippende Ausraster mit großen Augen bis hin zu Funk-Grooves aus spitzem Winkel. Es ist nicht die Art von Musik, die man auf einer Party spielt; es ist ein Erlebnis. – Chris DeVille

Meg Remy interpretiert auf Bless This Mess ein lahmes Schlagwort von Home Goods so gut um, dass ich aufrichtig hoffe, dass ihr nächstes Album den Titel It's Wine O'Clock trägt. Vor dem Hintergrund von Schwangerschaft, Geburt und Stillen („Pump“ probiert tatsächlich das Geräusch einer Milchpumpe) richtet Remy ihren Blick auf die Mutterschaft und hüllt sie in Disco-Funk und R&B-Flirr. –Rachel Brodsky

Es erforderte Geduld, auf „Raven“ zu warten, Kelelas erstes neues Album seit sechs Jahren, und es erfordert Geduld, sich wirklich darauf einzulassen, sich in den weitläufigen Beats zu verlieren und sich in ihren eher meditativen Kopfraum einzuschließen. Kelela reflektiert indirekt das politische Klima und stellt sich eine mögliche Wiedergeburt vor, eine weniger strenge Existenz. Der beste Ort für dieses Erlebnis ist immer noch die Tanzfläche, wie sie auf „Contact“ beschreibt: „Es ist 2 Uhr morgens, ja, wir haben es geschafft/ Alle verblassten/ So high/ Jetzt schwebe ich davon/ Weit und fern.“ –James Rettig

Es ist schwer, außergewöhnliche Popmusik zu machen, aber es ist vielleicht noch schwieriger, chaotische experimentelle Musik wie Pop zum Hit zu machen. Rachel Brown und Nate Amos schaffen es bei Everyone's Crushed. Das Album verarbeitet den störenden Lärm des modernen Lebens in geschäftigen Symphonien, klanglichen Schrottplatzskulpturen, die aus Zutaten bestehen, die sich der Binärität zwischen Melodie und dissonantem Geplärre widersetzen. Das Ergebnis liegt irgendwo zwischen Cyberpunk und Indie-Pop, zusammengehalten von Browns verwirrter Menschlichkeit inmitten des Trubels. – Chris DeVille

This Stupid World ist Yo La Tengos 17. Studioalbum. Lassen Sie das einfach für eine Minute auf sich wirken. Jede Karriereband kann ins Studio gehen – das Beeindruckende ist, wie Ira Kaplan, Georgia Hubley und James McNew immer etwas Neues zu sagen haben (oder auch nicht sagen, je nachdem, wie dröhnend sie sich fühlen). Mit seiner schlanken Produktion (mit freundlicher Genehmigung der Band), existenziellen Themen und dem charakteristischen Laut-Leise-Böen ist This Stupid World ein Lichtblick an dunklen Orten. –Rachel Brodsky

Auf ihrem sicheren Debütalbum (ein Jahrzehnt in der Entstehung) nutzt Yaeji sowohl neue als auch vertraute Werkzeuge, nutzt ihre schlüpfrigen Tanzlieder zur Selbstbeobachtung und findet heraus, warum sie sich manchmal so gut und manchmal so schlecht fühlt. Die Liebe zum Detail ist tadellos; Jeder Titel enthält mindestens eine Idee, die jemanden verrät, der sich seinem Handwerk voll und ganz verschrieben hat. „With A Hammer“ ist aufwändig konstruiert und eisig kühl, aber dennoch menschlich und einladend. –James Rettig

Es war erschütternd zu sehen, wie die Jugendlichen von TikTok – einer Plattform, die Caroline Polachek kurzzeitig mit dem Tanz „So Hot You're Hurting My Feelings“ eroberte – erkannten, dass ihr Lieblingstanz einst in einem alten Indie-Pop-Duo namens Chairlift war. Aber Polachek erweitert tatsächlich seit 15 Jahren ihr (und damit auch unser) Pop-Universum. Auf dem von Danny L Harle produzierten Album „Desire“ verwandelt sich ihr Stern in eine Supernova, indem sie experimentell in R&B, New Age, skurrilen Pop und sogar Flamenco eintaucht. –Rachel Brodsky

Es ist bemerkenswert, wie körperlich Parannouls Musik klingt, zumal immer deutlicher wird, dass es sich dabei in erster Linie nur um eine Person und einen Computer handelt. After The Magic, das dritte Soloalbum des noch anonymen südkoreanischen Musikers, ist ein maximalistischer Shoegaze-Fieber-Traum, ultrakomprimiert und ultrabeeindruckend. Von den Akustik-Pop-Geplappern des Openers „Polaris“ bis zum opernhaften Titeltrack zum Schluss ist „After The Magic“ eine weitere Erinnerung daran, dass Songs, die mit Maschinen gemacht wurden, genauso eindeutig menschlich sein können wie solche, die eine körperliche Berührung erfordern. –James Rettig

Auf ihrer sechsten LP Multitudes findet Leslie Feist neue Wege auszudrücken, wie zwei Dinge gleichzeitig wahr sein können. Von der spannungsgeladenen Katharsis von „In Lightning“ über das ach so ruhige akustische „Forever Before“ bis hin zur dissonanten Schönheit von „I Took All Of My Rings Off“ enthüllt Feist Tod, Geburt und wie sich das tägliche Leben damit vermischt beide. –Rachel Brodsky

Als Frontfrau, Leadgitarristin, Songwriterin und Hauptproduzentin von Bully ist Alicia Bognanno so etwas wie ein Schweizer Taschenmesser, und auf ihrem vierten Studioalbum ist Bognannos Können für mitreißenden Grunge-Pop so unbestreitbar wie eh und je. „Lucky For You“ geht neue Schritte – der Ton ist dunkler, trüber und rauer – aber es ist immer noch zu 100 Prozent Bully, was verzerrungslastige Hooks und völlige Offenheit bedeutet. Wir haben Glück, sie zu haben. –Rachel Brodsky

Es ist verständlich, dass es so lange gedauert hat, bis Phoebe Bridgers, Lucy Dacus und Julien Baker – die 2018 als Boygenius angefangen haben – ein Album in voller Länge veröffentlichten: Der individuelle Stern jedes Interpreten ist in den fünf Jahren seit ihrer aufschlussreichen selbstbetitelten EP erheblich gestiegen . Auf der Platte wieder vereint, überwältigen die Kräfte des Trios mit schlagkräftigen Harmonien, eindringlichen Schlagworten („Immer ein Engel, niemals ein Gott“) und der Chemie, die aus den Lautsprechern springt, fast. Bridgers, Dacus und Baker sind die seltenen modernen Supergruppen, die dieser Bezeichnung würdig sind. Sie sind vielleicht nicht stark genug, um Ihr Mann zu sein, aber gemeinsam sind sie stärker. –Rachel Brodsky

Der New Yorker Rapper Billy Woods hat in den letzten Jahren einen produktiven, verwirrenden Lauf hinter sich. Auf „Maps“ arbeitet er erneut mit dem Los-Angeles-Produzenten Kenny Segal zusammen, um ein ebenso dichtes und schwindelerregendes wie düsteres Album zu erstellen, während Woods den komplizierten Knoten zwischen Erfolg und Stabilität in einer Gesellschaft entwirrt, die weiterhin außer Kontrolle gerät . Durch die summende Angst von Segals Instrumentierung und einer Schar erzürnter Gäste beleuchtet Maps die Angst vor dem nicht eingeschlagenen Weg. –James Rettig

Was hat Alex G bewirkt? Das Philadelphia-Wunderkind ist ein Leitstern für Feeble Little Horse und viele der Bands in ihrem erweiterten Universum, aber das Pittsburgh-Quartett ist auf einzigartige Weise darauf eingestellt, die Qualitäten umzusetzen, die den G-Mann in dieser Szene zu einer solchen Legende gemacht haben. Das zweite Album „Girl With Fish“ hebt Feeble Little Horse von der Masse ab und etabliert sie als eine Band, die trübe und undeutliche Experimente in echte Songs verwandeln kann, mit aufgetürmten Hooks und sardonischen Texten, vorgetragen von Lydia Slocum, ihrer nicht ganz so geheimen Waffe. –James Rettig

Danny Brown und JPEGMAFIA sind seit Jahren zwei der hitzigsten und unberechenbarsten Vertreter der Underground-Rap-Szene, doch ihre inneren Freaks konnten sie erst dann vollständig entfesseln, als sie zusammenkamen. Der Titel „Scaring The Hoes“ geht auf die Idee zurück, dass diese beiden ihr Publikum einschränken, indem sie dichten, lebendigen Hyper-Rap machen, und vielleicht tun sie das auch. Aber das schwindelerregende, referentielle Netz aus Samples und Beatwechseln von JPEGMAFIA sorgt für eine ganz eigene Art von Party, und beide Rapper behandeln es wie ein einziges. –Tom Breihan

Es gibt nichts Vergleichbares wie dieses Album. Die Art und Weise, wie Deedee einen im Post-American anbellt, erinnert an jede Menge Punk- und Hardcore-Vorfahren – darunter auch an Ian Shelton von Militarie Gun, der das Album produzierte und „Delete It“ seine eigene Stimme leiht. Viele Bands haben Synthesizer eingesetzt, die genauso hart schlagen wie das Schlagzeug. Es fühlt sich an wie eine einfache Formel, aber auf MSPAINTs Debüt erstarrt es zu etwas Aufschlussreichem. Ist es Synth-Punk? New-Wave-Hardcore? Dystopischer Rap-Rock? Es spielt keine Rolle, wie man es nennt, sondern nur, wie man sich dadurch fühlt: verwirrt, beschwingt, bereit, die Gesellschaft niederzubrennen und in Hattiesburg, Mississippi, neu anzufangen. – Chris DeVille

Es war eine schöne Sache, Jessie Wares Neuerfindung mitzuerleben. Als Produzentin großartiger, majestätischer Balladen kam sie gut zurecht, und als Podcasterin und Kochbuchautorin schnitt sie sogar noch besser ab. Aber als Ware sich auf „What's Your Pleasure?“ aus dem Jahr 2020 den schwindelerregenden, euphorischen Clubsounds zuwandte, öffnete sie etwas in sich selbst. Das! Fühlt sich gut an! geht sogar noch tiefer, indem Ware ihre großartige Stimme für üppige, sexy, verspielte Disco-Hymnen einsetzt, die niemals gezwungen oder einstudiert wirken. Sie tut einfach das, was sich gut anfühlt, und ihre Freude ist ansteckend. –Tom Breihan

Sie kommen aus den Bergen. Sie haben ihre Lap-Steel-Gitarre; Sie haben ihre Haken, gezahnt und süß; Sie haben ihre Ehrfurcht vor My Bloody Valentine und Drive-By Truckers und der Southern Gothic. In den letzten vier Jahren haben Wednesday ihre musikalische Gemeinschaft und ihren Sound aufgebaut, und auf „Rat Saw God“ spitzt sich alles zu: Ein glitzernd verstümmeltes Dokument, das reißt und wühlt und sich als einzigartig umwerfendes Album registriert. Die Band bewegt sich wie ein riesiger Koloss, schroff und scharf; Seine blutenden Sturmböen werden nur von Karly Hartzmans gewalttätiger Poetik und seinem gebrochenen Gesang übertroffen, die Wednesday von bloßen Shoegaze-Akolythen zu etwas Belebendem und unendlich Aufregenderem erheben. –James Rettig

Streamen Sie eine Playlist mit Songs aus allen 50 Alben, auch verfügbar über Apple Music:

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